我們無時無刻都身處於「空間」之中，空間中的物質與色彩，會觸發我們五感的聯想與記憶，軟裝師並非只能專職於居家室內的空間規劃，在商業陳列與店舖風格設計上，也能有所發揮，也越來越是不可或缺的一員。在設計品牌店面時，空間陳列方式需要考量販售商品之類型，以及品牌核心精神...等，藉由材質運用與色彩規劃的輕裝修作法，也能為空間提味，讓空間成為品牌理念的闡述者。今天跟著DO UP一起來看看，位於義大利米蘭的這間麵包店 — Signor Lievito，如何藉由空間陳列與設計，使店面成為街訪鄰居相聚一地的據點！
｜品牌起源與初衷
這間矗立於米蘭街角的麵包店 — Signor Lievito，由原職為模特兒的Natalia Nikitina創立，開始接觸揉製麵包的契機，是基於疫情期間長期不得外出，Natalia Nikitina開始學習烘焙，從周遭家人、朋友開始分享，漸漸擴大至整個社區，這些忠實粉絲們於是鼓勵Natalia Nikitina將此技能專業化，從此改變了Natalia Nikitina的生活。
「現在我每天日出前便起床，開始揉製麵糰並且開烤箱預熱，開啟一整天的烘製過程。」
在熟悉了製程，並且找到了自己也能認同的味蕾口感後，Natalia Nikitina鼓起勇氣買下了一家店，並邀請有長年合作關係的建築師Hannes peer為其操刀設計空間。品牌名稱Signor Lievito，源自一種烘焙的核心原料，對於一種超過120年歷史的酵母的致敬。如今店內常態販售的麵包，包含長棍麵包，佛卡夏麵包以及Apulian麵包，都是一上架就會被搶售一空的熱銷品項。
｜沈浸式感官體驗的空間設計
此麵包店的內部面積約為65平方米，還有一個30平方米的地下室，在構思內部設計時，Natalia Nikitina希望能樹立新時代麵包店的形象，除了販售麵包以外，也能為消費者帶來沈浸式的感官體驗，透過色彩、造型與材料觸感，讓人與麵包的記憶產生連結。據此理念，設計師為店面量身定做了所有細節，包含動線層架、家具物件與裝飾藝術...等，形塑出有如畫廊一般的氛圍。店面中設有軟墊沙發，壁面鋪設赤陶磚烘托暖意，窗框、桌椅與層架皆以色調清雅的樺木製成，而燈飾則為古董市集的挖寶物件...，這些裝飾語彙讓陳列在層架上的麵包，看起來也有如小雕塑一般賞心悅目，誘人購買。牆壁上掛有四幅引人注目的繪畫，是由Hannes Peer親手繪製，為品牌所獨有，展示了日落時人們在海灘上放鬆的樣子，妝點了空間中留白的牆面，俐落簡約的線條則表現了對於現代主義的致敬。
｜重新定義「交流聚會」的場所
在設計此空間時，靈感來自Natalia Nikitina的家，其家中有一個大磚壁爐，Natalia Nikitina希望能將此材質沿用至店面中，而赤陶本身便具有烘烤的意象，故而大面積使用於空間中，默默散發著溫暖的光芒。此外，使內外空間建立起一種和諧的意象，有助於邀請路過的人們，產生入內一坐的慾望，而進入室內便能感覺遠離日常生活的煩憂。此麵包店跳脫常規，也寓意改變人們快步調的生活型態，將麵包店與咖啡店的概念相互結合，讓麵包店也能成為街坊鄰居們相聚一刻的場所，重新定義社交互動的場域。
（ All photo via Hannes Peer ）
藝術與風格家具設計經常是不分家的，如今的家配師更加注重在思考空間規劃時，挑選具有藝術美感的家具配飾來妝點空間，其中居家佈置與商業擺設都會因應不同的風格設計，而有相異的家具挑選取向。空間佈置師需要多涉獵多元風格的家具設計以及藝術家作品，才能持續為空間注入新的活水，提升家配美學以及商業陳列美學。今天想為大家介紹一位來自日本的陶藝家 —Yuko Nishikawa，她以紙纖維與陶土媒材做結合，推出一系列的吊燈作品，靈動的造型與錯落的分佈， 推疊出有如夢幻森林的景象，趕緊跟著DO UP一起看下去吧！
Yuko Nishikawa出生並成長於日本東京以南的一個海濱小鎮，爾後至紐約研讀室內設計，於2002年畢業於紐約時裝技術學院，當時針對法院、醫院與聯邦大樓的空間設計進行研究調查，並協助紐約的工作室品牌如: Clodagh、Bilhuber Inc. 和Alexandra Champalimaud等，進行空間規劃與室內風格設計。
擁有室內設計背景的Yuko Nishikawa，曾為輕奢風格的家居品牌-Donghia進行家具與燈飾設計長達九年的時間，過程中學習了各種工藝技法，包含玻璃、木工、金屬以及漆器或者皮革，與此同時也默默的發展著屬於自己的陶藝工作室。
目前Yuko Nishikawa與朋友們一同於紐約布魯克林威廉斯堡工業區的工作室進行創作，她將此空 間命名為森林，寄託萬物生長、滋養生命的寓意。同時也是激發好奇心與勇於創造實驗的場域，基於其室內設計背景，Yuko Nishikawa的陶瓷作品將雕塑與家飾配件做結合，可以視為一項藝術作品，亦具有功能性。風格上以色彩豐富、質感活潑立有一席之地，旨在創建一個屬於夢裡的情境，與人愉悅輕盈的感受，讓人得以悠遊徜徉於其中。
|You See a Sheep 照明系列
You See a Sheep為一組照明系列，燈罩外殼以紙纖維融進陶瓷漿中，藉此塑造出具有紙質感的陶瓷外殼，並以手捏陶技法中的泥條技法，以盤繞的方式形塑多變靈活的造型，等待陶瓷稍微乾燥後，在進行切洞的步驟，讓光芒能經由孔洞溫和的散發出來。Yuko Nishikawa 表示，此系列是受到Antoine de Saint-Exupéry 的《小王子》以及古川秀夫的《Model T Frankenstein》所啟發，想 表達我們所想像的一切，都存在於我們的感知中，換句話說:想像力就是我們的超能力!
(All photo via Yuko Nishikawa)
還記得那個頭大大、歪眼斜笑，看起來叛逆卻又忍不住受她吸引的小女孩嗎?今年春天有個好消 息，奈良美智畫筆下的小女孩，終於要展開在台十年巡展的第一站了!奈良美智的作品，經常在宅妝師思考軟裝設計時，被選納作為增添空間陳列故事性的藝術品。風格獨特，主角鮮明的畫作，不僅適合用在居家家飾佈置，也經常見於商業陳列，比如選物店或者咖啡廳，DO UP本身也是奈良美智的粉絲呢，讓我們一起來看看這次展覽的介紹吧！
去年奈良美智在台的特展獲得廣大迴響，各界人士紛紛表示希望奈良美智為台灣所創作的《朦朧潮 濕的一天》，能在台灣多留些時日。今天四月，由《朦朧潮濕的一天》單幅畫作在台展開十年巡展 的計畫終於敲定，並且將於4/1於高雄內惟藝術中心盛大開跑!展期長達五個月，喜歡奈良美智的 粉絲們怎麼能錯過呢!
關於《朦朧潮濕的一天》，奈良美智曾分享在準備台灣特展時，自己鍾愛的作品鮮少能夠出現在台灣的展覽中，比如《Midnight Truth》，因此決定重新創作一幅能與《Midnight Truth》並駕齊驅的畫作，專為台灣的特展而準備，因此才誕生了《朦朧潮濕的一天》。
在創作過程中，奈良美智的心境從焦慮轉為平和，曾表示在此種心境之下創作的作品，自己也認為是迄今為止最好的作品，而朦朧潮濕的意境，投射台灣多雨的天氣，是奈良美智對於台灣的土地印 象，畫中的小女孩也不再是帶著狡黠的目光，轉而昇華為寧靜安和的氣息，嘴角也藏著淺淺的一抹 微笑，色調上維持一貫的做法，以多種色調反覆疊加，在不同的角落都有值得細細咀嚼的層次感，也因為其濃厚的色彩，予人有如溫暖光輝的感受。
展覽資訊
《跟著朦朧潮濕的一天去旅行Traveling with Hazy Humid Day》
展覽時間:2023年4月1 日至8月31日
展覽地點:高雄內惟藝術中心(高雄市鼓山區馬卡道路329號)
主辦單位:中華文化總會、高雄市政府、Yoshitomo Nara Foundation(Japan General Incorporated Foundation)
(photo via 奈良美智特展 , nytimes , Yoshitomo Nara)
(photo via Flexa)
一轉眼，又到了2022年底了，在跨入2023年的前夕，家配師免不了都得關注一下關於明年的趨勢色調，每一年諸如PANTONE , DULUX...等品牌，都會釋出品牌預測的趨勢色，提供思考宅妝設計時的參考。色彩對於空間風格佈置而言，擔任了建立第一印象以及經營氛圍的重責大任，除了居家佈置以外，商業陳列設計也經常會藉由色調的轉換來回應當季主題性！色彩的組合若得宜，整體空間的風格整合也就成功了一半，今天DO UP就先帶大家來看看DULUX得利所釋出的2023趨勢色調，想為住家換個新氣象的人，趕緊看過來喔！
(photo via Flexa,DULUX）
有鑒於這兩三年來，全球長期處於疫情的緊張氛圍下，身處於後疫情時代的人們，想必是對於自然、自由更加嚮往，因此得利今年將目光聚焦於自然中的色調，鼓勵人們將這些色彩引入室內，使空間重獲生機與生命力。以「野麥黃」作為2023年度的主色調，並以此色彩為基礎延伸出四種不同 的色彩組合:青森色盤、花舞色盤、大地色盤、濱海色盤，得利將這些色盤定位為:「隨心而野」，期許能回應人們回歸自然的渴望，讓所處的空間也能賦予人舒壓之感。
｜青森色盤
(photo via Flexa）
「青森色盤」以森林的色調為靈感，以多種不同層次的綠色調來堆疊鬱鬱蔥蔥的自然調性，綠色也能帶給人和平寧靜的感受，而主色調野麥黃與綠色地的混搭，得以賦予空間沈靜愜意之感，其中不失活潑感，帶給人樂觀與慰藉。
｜花舞色盤
(photo via Flexa)
「花舞色盤」提醒了我們繁茂而多元的生態系中，有著豐富的花卉植物，以暖色為主調，令人彷彿 置身於百花齊放的花田中，喜歡讓空間多點活力感的你們，可以經由於「花舞色盤」中提取幾種顏 色使用於空間中，能賦予空間歡愉的氣息。而「花舞色盤」中的許多色彩，也十分適合以局部跳色 來妝點空間，營造視覺的焦點!
｜大地色盤
「大地色盤」由大地色系、中性色調組合而成，色彩中都帶有一種高級灰，呈現出大自然質樸的材 質色調，靈感來自稻草、小麥、原木的天然原生色彩，帶有些許野性氣息，流淌於空間中。儘管色 彩濃郁，卻是中性的暖調，一同使用於空間中不至於導致視覺上的紛亂，反而會有種置身於曠野之感
｜濱海色盤
(photo via Flexa)
「濱海色盤」關注了海洋潮汐的韻律節奏，以藍色調為輔，襯托野麥黃的輕盈感，深淺不一的藍與灰形成平衡的節奏，在空間中自然的流動著，帶給人心曠神怡的清新感受。在空間中使用色彩時， 別忘了利用小物的搭配來完成色彩搭配，於立面中挑選2-3種顏色組合即可，其餘的色彩可以藉由碗盤、織品...等物品來安插於空間中喔!
藝術品作為室內擺設的一環，能為空間陳列起到畫龍點睛的效果，與家配美學息息相關。不同媒材的藝術品，在空間中扮演的角色都不盡相同，粗略劃分會區分為平面與雕塑，而雕塑又可細分出硬 質雕塑與軟雕塑，平面類型的藝術品亦不局限於繪畫媒材。空間規劃師無論是在思考居家佈置或者商業陳列時，總會根據空間類型與想要營造的氛圍來選擇藝術品擺飾，其中若在選擇時，能對藝術 品的內涵有深入的了解，也能讓藝術擺設跳脫單純的裝飾性，反之於空間中寄託了故事性。今天DO UP想為大家介紹一位來自蒙大拿州的韓裔藝術家— MIMI JUNG，看她如何運用絲絲細線講述人生 故事與生活中對於不同議題的探索。
Mimi Jung，出生於韓國，在10歲時搬到蒙大拿州生活與成長，童年大部分時間都在母親的藝術學院 中度過，創造屬於自己的藝術作品，或者親臨藝術家之間的展覽活動，對Mimi Jung而言是早期教育 的重要組成，因此透過視覺藝術進行表達是耳濡目染的。如今Mimi Jung選擇了紡織作為主要的創作 媒材，絲線的柔軟質地，為作品帶來寧靜夢幻的視覺感，在靜謐之中能感受到動態與開闊，Mimi Jung透過編織嘗試探索個人與大眾之間的共鳴點。
「我的作品通常是傳記的。因此，我的社會和心理景觀與織機上的東⻄有直接關係。」Mimi Jung曾 如此表示，並認為編織是她唯一的創作方式，編織的過程中需要藉由絲線於股線之間穿梭來回，是 一種對於空間的研究，線條與間距所構成的空間能交織出何種風景?
Mimi Jung在自己的出生地 — 韓國，所貢獻的第一件手工編織公共藝術 — Fallen Fence，對她來說 有著回歸的意義。如同雲一般柔軟延展的作品，有著細微曖昧的轉折，好似於半空中漂浮跳舞，有 著不穩定、稍縱即逝的意象，提醒著人們時刻留意生活中短暫的、不經意的美麗時刻，以及透過這 些瞬間與環境、人們建立聯繫的潛力。
(作品:Fallen Fence)
另一個系列作品 — The Subsuming Ellipse，於織機上織出一個又一個漸變的橢圓，有人將之與 Mark Rothko的作品類比，是否意圖藉由漸變的色域來引起情緒上的共感，但Mimi Jung表示他所關 注的是橢圓的運動，緯紗之間的不同間距允許微妙的空間變化，將會影響色域。將橢圓的幾何形態 提煉為一個活的有機體，象徵原始生長，並藉此探索此幾何圖形所能表達的情感與空間關係，包含 推動、鏡像或者吸收...等互動關係。
(作品:The Subsuming Ellipse)(All photo via Mimi Jung)
燈光就如同空間的魔術師，除了有提供光源的實用功能性以外，藉由不同材質的使用，可以讓光線發散的視覺效果各異，而造型的探索也是許多風格家具設計師的大命題。空間佈置師在思考宅妝設計或者商業陳列時，也總會以燈飾來為空間注入亮點，無論是以量體較大的單品置入視覺重心，或者以小型燈飾點綴角落。今天DO UP要來為大家介紹一個來自溫哥華的燈飾品牌—ANDlight ，該品牌出產的燈飾具有現代簡約之美感，造型上不會過度複雜，有利於風格整合，用心於材質的實驗上，探索光線發散的多種面貌，並從中感受光線與空間的對話關係，是許多軟裝師在進行家飾挑選時的心頭好！
ANDlight 於2013年創立於加拿大溫哥華，專攻於燈飾設計，由Caine Heintzman與Lukas Peet兩位設計師組成。Caine Heintzman與Lukas Peet十分熱衷於探索不同材料之間的結合，並且時時叩問功能性與藝術性之間的平衡拿捏，試圖使作品在空間中，能同時自成一格，亦能與空間產生相互關係。Caine Heintzman以雕塑的思維設計燈飾，嘗試以模塊化的方式組裝燈具，展現重複性的美感，同時也在重複之中玩味排列組合的多樣性。
接下來讓我們看看ANDlight的幾項經典之作吧！
｜IRIS SERIES PENDANT
此款IRIS燈是2022年的新作，光源被包覆在玻璃球狀體內，由於玻璃表面具有紋理，可使光源如同萬花筒般散射至空間中，玻璃外球乍看之下有如輕盈的泡泡，懸掛起時產生失重的視覺感，但內在的溫暖光源又賦予安定感，久看又如同宇宙中的一顆恆星。IRIS的燈罩可分為上下兩種形狀，因此外觀上可排列出四種組合，而懸架則有黑色與銀色兩種選擇。
｜COLUMN SERIES PENDANT
以古典建築中的希臘多立克柱為靈感，以圓柱表現秩序、對稱與莊嚴的美感，以玻璃作為燈罩材質，細膩的重現建築圓柱的直條紋理，為光源建立一種韻律感，光線的線條因漫射而顯得柔和。同樣採用模塊化設計，藉由不同數量的組裝，可有垂直與水平 兩種排列方向。而燈罩也有兩種顏色的選擇，時尚的透明碳黑色，以及優雅的象牙白。
｜VALE SERIES PENDANT
Vale有著流暢優雅的造型與線條，以兩片如翅膀般的薄片玻璃組成燈罩，玻璃上有著如水晶般細緻的凹凸紋理，讓光源產生漸變的效果，不同的觀看角度都有著截然不同的光暈，令人目不轉睛。同樣採用模塊化設計，可水平作為吊燈使用，亦可垂直作為壁燈，根據空間尺度大小，決定要組裝的數量，有利於平衡視覺效果。
｜BUTTON SERIES PENDANT
Button燈如其名，有如一個巨大的鈕扣，外型上十分奪目且令人難忘，寬大且輕薄的圓形表面，以LED燈投射出溫暖的光線，為空間注入舒緩寧靜的氣息。圓形的燈罩可以依照使用的需求，調整其傾斜的方向與角度，靈活性極高，燈罩背面的飾面也提供四種材質的選擇，十分有利於融入不同風格的空間中呢！
（All photo via ANDlight)
（photo via Alexandra Kehayoglou）
織布藝品在宅妝設計中一直都有著舉足輕中的地位，前幾年也曾經掀起一波梭織藝品的熱潮，嚮往起北歐居家中常見的掛毯飾品，最近接替這股熱潮的則是俄羅斯刺繡Tufting！身為家配師，除了持續更新家飾家具設計的資料庫以外，對於手工藝品的領域也不能輕忽。在思考居家佈置以及商業陳列時，以手工製作的藝品來妝點空間，經常能達到提煉氛圍、畫龍點睛的效果。今天就讓DO UP 帶著你們來看看這項成為新寵兒的編織藝術吧！
（photo via happystartsathome）
Tufting 又稱為俄羅斯刺繡，製作原理並不複雜，可說是一種半自動機械化的織布技術，利用簇絨槍與紗線，以手動或電動的方式將紗線穿入織布，沙縣便會如刺繡般緊密的縫製於織布上，可構築出千變萬化的圖案與造型，利用不同色彩的紗線相互配色，縫製完畢後再使用電動剪毛機或者剪刀手動清剪絨頭，此步驟可以讓作品表面呈現令人感到舒適的毛絨感。
（photo via anthropologie）
而Tufting俄羅斯刺繡會被世人關注的契機，啟發於一名來自阿根廷的編織藝術家 – Alexandra Kehayoglou，在2015年的巴黎時裝周上，為Dries Van Noten所發表的春夏女裝走秀，以此技法編織了一條全長48米、寬3米的手工地毯，作為模特走秀的地面佈置，當時震驚全場，不僅讓Alexandra Kehayoglou 被世人知道，也成功的宣揚了俄羅斯刺繡的魅力！
（photo via Alexandra Kehayoglou）
Alexandra Kehayoglou的家族一直以來都經營著南美最大的手工編織地毯品牌，而他的創作材料便是取自家族工廠剩餘的羊毛線，以童年回憶裡的故鄉風景作為主要題材，以毛線的編織簇絨，交織出森林、草原、苔蘚、冰川和石頭等元素，其中也寄託了對於即將被破壞殆盡的生態環境的擔憂，希望能提醒世人關注於生態保育。
（photo via Alexandra Kehayoglou）
Alexandra Kehayoglou視織品為十分有能量的媒材，一針一線勾勒出的地毯景象，可以傳達產地的文化故事，如同傳達訊息的平台，安靜而不喧嘩，深入人們的生活中，不僅僅是作為實現家配美學的要角，也是文化傳承的重要樞紐。
（photo via vogue , Inhabitat）
在創作時，Alexandra Kehayoglou通常會將布面垂直懸掛，並以手動控制簇絨槍進行編織，而她曾經表示，即便工業化後的地毯產業亦已發展出許多先進的編織與裁剪工具，她依舊熱愛使用剪刀來進行裁切，在一開一合之中，重新檢視與塑造自己心中的理想之景。
（photo via twistedsifter）
Tufing俄羅斯編織的編織藝術，能帶給人無盡的想像，其中可寄託希望與回憶，也能傳達童趣意象，藉由柔軟的力量來豐富人們的感知，為生活注入溫暖的氣息，還沒搭上這股熱潮的你們，現在為時不晚，有許多工作室也陸續開設相關課程，不妨給自己一個下午的時間沈浸於Tufing的魅力中吧！
（photo via meadowblu）
（Photo via Dutchbone)
在思考室內軟裝設計時，實則也需要考慮到天、地、壁，天花板的裝飾可以由燈具完成，而壁面的美感可以由不同的漆料或者特殊材質來實現，至於地板的妝點除了磁磚或者木地板的鋪設以外，絕不能輕忽借助地毯來提煉氛圍的效果。地毯不僅可用於居家空間佈置，多元的紋樣與材質肌理，都能展現友善的風格搭配實力，也經常現身於商業陳列中！至於地毯究竟是如何被發明出來，進而發展歷史長達數千年呢？今天DO UP就要帶大家來一窺地毯的歷史小故事！
（Photo via Article）
地毯最先是由何人、何地發明出來的，至今仍眾說紛紜，不同的地區與文明如：埃及、中國、馬雅或波斯，幾乎在同一時期，都開始進行地毯的編織活動，且彼此之間並無相互的交流，單純由自身文化為出發點，進行紋樣的設計以及材料選用。
甚至相傳在古老的諾曼地游牧民族中，便能發現地毯的多樣功能性，十分廣泛的運用於生活各層面。該民族從畜牧的羊群身上取得羊毛，進而編織成一塊塊厚實禦寒的地毯，鋪設於地面上，可有效阻隔來自外界的溼氣，而地毯也能掛置於帳內周圍，阻擋了冷空氣進入，讓室內維持舒適的恆溫。
（Photo via elled ecoration ,dreamgreendiy ）
地毯自古以來，除了禦寒的實用功能性外，同時也具有象徵奢華的意涵，因此紅色調可說是地毯色系的傳統，可以窺見過往君王貴族的尊榮面貌，以及對於家配美學的想像，除了會常態鋪設於貴族家中，若有賓客來訪更會以紅地毯作為迎賓的禮貌之舉！而地毯的昂貴與價值，也仰賴編織師傅們的巧手工藝，透過長時間的投入與製作，才能完成踩踏感柔軟舒適的毯面，帶給人備受呵護之感。
（Photo via AllModern）
而既然提到了地毯的歷史，怎麼能不介紹世界最著名的手工地毯－波斯地毯呢？波斯地毯來自伊朗的波斯帝國時期，至今已有兩千五百多的歷史，當亞歷山大大帝入侵波斯並燒毀波利斯（Persepolis）時，波斯地毯奇蹟式的與許多藝術品與建築一般，幸而存活下來，並得以蓬勃發展起來。地毯不僅被視為奢華的象徵，也擁戴為本土文化的精粹，一直到17世紀，在薩非王朝阿拔斯一世時期，進入了往外發揚的黃金時代。
（Photo via anthropologie ）
而波斯地毯能立於不敗之地，必須談及兩大特點，一是堅持使用天然材料，並以手工製作，二是經由天然植物與礦石來提取染料，無論使用多久都不會褪色！此外，若要評斷一張地毯的精緻度，可以經由材質、結數與道數來判斷，其中天然真絲、羊毛或者含棉材質的地毯，都十分具有收藏價值喔！而結數與道數則是會決定花色的精緻度以及圖案能否栩栩如生！
（Photo via Lobster & Swan ）
若想以輕佈置的手法來讓空間煥然一新，選用一張耐用且具有特殊紋理的地毯，是個不會令人失望的決定。在選購地毯時，也有如選購藝術品，與空間產生無法複製重現的對話，可說是彰顯個人品味風格的絕佳隊友！
在空間陳列的範疇中，除了大型家具的配置以外，小型的家飾配件在提煉情境氛圍中，扮演著重要的角色。具有獨特設計思維、兼具力與美的配件即便放置於一角，也能賦予空間視覺焦點，讓空間的視覺重心更為平衡。因此家配師在進行宅妝設計時，為空間配置出與風格相應的裝飾品，也是十分考驗美學功力的呢！其中花器作為最常見的配飾之一，也成為眾多家飾設計師的設計重點，在造型、配色、質地上盡己所能做出變化，從中輸入專屬的風格。今天DO UP想為大家介紹一位來自義大利米蘭的家飾設計師 -- Rosaria Ranttin，花器與陶瓷儼然已經成為她的代名詞，讓我們一起來看看她如何利用這流傳千年的材料，製作出一個又一個令人驚豔的花器吧！
Rosaria Ranttin曾在威尼斯修習建築，並進而前往巴黎參加Marie Ruckié 的時裝課程，自此擺脫了理性主義的束縛。結束時裝課程後，Rosaria Ranttin便投入時尚產業，直至時尚圈愈來愈趨於商業化，致使她開始思考未來的發展，在眾多選擇中，Rosaria Ranttin毅然決然投入了家飾設計產業。而有建築基礎的她，選用了流傳千年的陶瓷工藝做為主要材料，其次是同樣來自自然界的木材質
「純粹才能表達我對平衡、美學、風格跟和平的看法，一開始我一點都不熟這種古老技術，走遍世界才找到老師傅幫忙。我想保留古老陶瓷創作的工法知識，不讓技術失傳。」
－Rosaria Ranttin
而在投入家飾設計後，Rosaria Ranttin也創立了屬於自己的家飾品牌KOSE，為該品牌設計出具有流線圓弧美感的花器配飾，在配色上展現古典美感，而如今她依然跨足於時尚與家飾設計產業，從兩者當中涉取靈感，成為她豐富的風格演變重要的養分。
這款 Low Palma Pois 花器十分高雅大器，在輪廓上展現簡潔的線條，卻有著圓潤樸實的造型，在精緻中不失純真。而在大地色背景塗抹上飾有彩色大圓點，且在色彩上利用局部跳色的手法，成功注入豐富的視覺變化。以一款啞光的深灰色高帕爾馬花器與之搭配，緩和收斂了Low Palma Pois的光芒，昇華為內斂的優雅。
此款手工製作的Palma Astratto是限量版５０的其中一個花器，採用抽象的黑白色塊作為背景，並局部塗上金箔飾色，在淡雅中注入一絲輕奢之感。與之搭配的則是深灰色啞光的高 Pacay 花瓶，展現極簡主義的線條美，一高一低的高度落差讓視覺感更具層次，十分適合運用於商業陳列中，能瞬間帶出氣勢！
同樣採用圓形圖案作為吸睛焦點，以深淺不一的藍色調在平面上堆疊出空間感，看似扁平的瓶身，細看卻能發現流暢的圓弧曲線，此款花器作為風格搭配單品，能毫無違和的融入各式風格中，Rosaria Rattin再度以單色系的花器與之做搭配，一亮一暗勾勒出景深，讓空間的角落也能自成一格！
（All photo via KOSE）